Chegando ao fim de mais uma década de cinema o The Fading Cam decidiu assumir o desafio de compilar um ambicioso Top 160 Melhores Filmes da Década 2010. Vamos apenas assumir filmes que tenham estreado em Portugal, em sala ou plataforma stream, entre 2010 e 2019. A ordem não reflecte necessariamente a nota atribuída nas respectivas críticas. Se o vosso filme preferido não estiver na lista existem duas razões para isso: ou não o vimos, ou não gostamos dele. Contem com uma lista fora do normal, onde o cinema comercial não é necessariamente mau, onde o terror e a acção não são géneros menores, e sobretudo onde os grandes prémios do cinema não servem como medidor de qualidade. Esta é a nossa derradeira lista, sempre subjectiva, sobre o melhor que o cinema teve para oferecer na década que passou:
160º "The Edge of Seventeen" (2017) - Kelly Fremon Craig
Uma coming of age story contada no feminino com um argumento que foge aos padrões habituais do género. Hailee Steinfeld, ajudada por Woody Harrelson, é a adolescente alternativa e depressiva que odeia a sua idade. Com uma interpretação acima da média, o filme balança o drama familiar com o humor de forma original e particularmente coesa e mete outros filmes do género como Lady Bird a um canto.
159º "Super 8" (2011) - JJ Abrams
Antes de existir Stranger Things e todo o revivalismo 80s existiu Super 8, aquele que continua a ser, até à data, o único filme não pertencente a um franchise realizado por JJ Abrams. Com um visual imersivo e ritmo excitante, o grupo de jovens actores lidera o filme de aventura, terror e ficção científica, sendo provavelmente o melhor filme revivalista da década. E não houve poucos...
158º "Paterson" (2017) - Jim Jarmusch
Com mais uma brilhante interpretação de Adam Driver, Jarmusch reflecte sobre a poesia da vida simples do dia a dia, a chamada ode à vida quotidiana mundana. É o filme melancólico ideal para ver numa noite fria, admirando as pequenas coisas que a vida nos dá.
157º "The Nice Guys" (2016) - Shane Black
Idos vão os tempos dos buddy movies, cops ou não, como Tango e Cash ou Arma Mortífera, mas The Nice Guys faz um trabalho irresistível ao conseguir juntar uma excelente realização, narrativa, mas sobretudo uma parceria mais que carismática entre um brutamontes Russel Crowe e um espertalhão Ryan Gosling.
156º "Darkest Hour" (2018) - Joe Wright
Raros são os biopics que chegam à época de Óscares merecendo toda a atenção que receberam, mas Darkest Hour é um belíssimo retrato da decisiva intervenção de Churchill na Segunda Guerra Mundial, carregado com uma brilhante interpretação de Gary Oldman. Darkest Hour é um bom exemplo de como realizar o biopic sem que seja apenas "mais um".
155º "Coming Home"/"Gui Lai" (2015) - Zhang Yimou
O veterano realizador chinês assinou em 2015 um melodrama vertiginoso que não tem vergonha de o ser, assumindo numa camada inferior uma mensagem político social difícil de ignorar. É também isto cinema, a arte de tocar nos sentimentos do espectador, de o fazer pensar, de o fazer sonhar.
154º "Personal Shopper" (2017) - Olivier Assayas
Olivier Assayas volta a surpreender com um thriller dramático fora da caixa tão coeso que é impossível apontar-lhe defeitos. É a melhor interpretação da carreira de Kristen Stewart que consegue levar o espectador a um Mundo estranho e imersivo, entre o sonho e o pesadelo.
153º "The Beaver" (2011) - Jodie Foster
Na fase mais difícil da vida de Mel Gibson, Jodie Foster decidiu realizar e co-protagonizar este drama existencialista que usa como pano de fundo a depressão. Curioso o paralelismo da sua personagem principal com a vida do próprio protagonista. The Beaver pode ser um filme miserabilista, por vezes enervante, mas fá-lo com uma originalidade desconcertante que merece todo o louvor.
152º "The New Daughter" (2010) - Luis Berdejo
Inauguramos o género de terror com The New Daughter, um filme misterioso protagonizado por Kevin Costner que não recebeu metade da atenção que devia. De original não tem nada: casa isolada, criança com comportamentos estranhos, mas a execução lenta e consciente de Berdejo, que coloca de lado o susto fácil e a violência em detrimento de efeitos especiais práticos e construção de atmosfera, merece um aplauso.
151º "Taken" (2010) - Pierre Morel
Quando estreou Taken de certa forma revolucionou a forma de fazer cinema de acção nos Estados Unidos, com uma cativante personagem interpretada por Liam Neeson a executar brilhantes coreografias de acção que viriam depois a ser adoptadas em filmes superiores como John Wick. Taken abriu caminho e é, por mérito próprio, um filme de culto.
150º "Lone Survivor" (2014) - Peter Berg
A década de 2010 teve vários belos exemplares de cinema de guerra e Lone Survivor é um deles. Tecnicamente irrepreensível, nomeadamente a nível sonoro, este é um filme de acção/guerra de rara tensão que ignora o politicamente correcto que marcou a maioria do cinema de guerra da era Obama.
149º "Jurassic World: Fallen Kingdom" (2018) - J.A. Bayona
Esta pode ser uma escolha polémica, mas Jurassic World: Fallen Kingdom é um exemplo de como fazer bom cinema de pipoca com identidade suficiente para nos ficar na memória como algo mais do que apenas mais um. Como esquecer a perseguição de horror gótico na mansão à Lua cheia protagonizada por um exemplar de tudo o que está errado à luz da bioética?
148º "Get Out" (2017) - Jordan Peele
Para uns tremendamente original, para outros terror básico e genérico, Get Out é um filme divisivo que consegue abordar com um olho interessante um novo conceito de horror racial. Pode ser forçado, é verdade, mas o surrealismo e o mistério da situação proposta por Jordan Peele é uma das coisas mais intrigantes dos anos recentes.
147º "The Fighter" (2011) - David O. Russel
Um drama familiar de desporto com uma interpretação com um, como sempre, superlativo Christian Bale a roubar o spotlight num argumento sólido que tem como tela uma América industrial e marginal. O. Russel dirige habilmente, mas é a interpretação de Bale que fica para a história.
146º "The Martian" (2015) - Ridley Scott
Mais um exemplar de que é possível fazer bom cinema comercial, com um veterano Ridley Scott quase que a caricaturar os filmes de propaganda americana dos anos 90. The Martian é um filme inteligente e astuto que entretém o espectador do primeiro ao último minuto, usando os lugares comuns do filme catástrofe de forma quase irónica a seu favor. Até ficamos com os olhos trocados.
145º "Mandy" (2018) - Panos Cosmatos
Nicholas Cage não está morto. Está bom e recomenda-se. É difícil descrever por palavras o filme de Cosmatos. Metade trip de lsd potente de caixão à cova, metade Cage louco num brilhante thriller de acção, Mandy desafia os limites do género, mas também os limites da paciência do espectador. Ainda assim é precisamente com a libertação de Cage em plena casa de banho que o espectador se liberta do estado sonâmbulo em que se encontra para uma das mais originais experiências cinematográficas da sua vida.
144º "Good Time" (2017) - Benny Safdie, Josh Safdie
Os irmãos Safdie realizam este original crime thriller que ajuda a consolidar Robert Pattinson como um dos melhores actores desta geração. Visualmente delicioso e narrativamente criativo, Good Time é um filme incómodo que ao mesmo tempo nos dá prazer, como coçar uma borbulha. Um guilty pleasure de rara qualidade.
143º "Godzilla" (2014) - Gareth Edwards
Digam o que quiserem, mas a nosso ver o reboot de Gareth Edwards do mítico Godzilla é o melhor monster movie da década. O género Kaiju funde-se na perfeição com o mistério e terror vivido pelos pequenos humanos que de repente se vêm a braços com a destruição da sua cidade. Protagonizado por nomes como Bryan Cranston ou Elizabeth Olsen, Godzilla é visualmente brilhante, oferece uma realização sufocante e toda a tensão que podemos desejar de um filme do género.
142º "Prometheus" (2012) - Ridley Scott
Prometheus é um filme divisivo e desequilibrado, mas tudo isso é compensado pela sua produção, pelas temáticas que introduz (da bioética à religião), pela enorme interpretação de Fassbender, e sobretudo pelo regresso de Ridley Scott ao franchise de culto que criou: Alien. Scott coloca o espectador numa espiral de questões, acção e terror irresistível.
141º "Out of the Furnace" (2013) - Scott Cooper
Fascinante a forma como Scott Cooper pega nos seus actores e transforma um revenge thriller aparentemente comum passado na América profunda num objecto de culto. Um Woody Harrelson lunático e aterrorizador em pico de forma, um Christian Bale irrepreensível que carrega o drama às suas costas e um frágil e revoltado Casey Affleck fazem de Out of the Furnace um belíssimo filme de actores que não precisam de efeitos especiais nem maquilhagem para brilhar.
Provavelmente não existe nenhum realizador neste momento em Hollywood a gastar milhões tão bem como Nolan. Dunkirk é mais um filme com uma estrutura original, e, dentro do cinema comercial, talvez o mais intenso da década. Tecnicamente irrepreensível, Nolan coloca o espectador na cadeira de observador, sem personagens principais, sem heróis, apenas observando o horror, o movimento.
Num exercício original pela sua estrutura e tom underwhelming, Knight filma Locke numa localização única, com um Tom Hardy superlativo no interior do seu carro, procurando resolver a sua vida profissional e familiar. Uma espécie de thriller que joga com as regras da vida da pessoa comum ao invés de terroristas e assassinos. Poderia parecer apenas uma tentativa de algo que se quer diferente à força, mas Locke nunca perde a solidez do seu argumento.
Eastwood volta à glorificação do herói do dia a dia, com a história real do piloto que aterrou um avião comercial de passageiros em pleno rio Hudson após uma avaria técnica. Poderia ser mais uma xaropada americana, mas com Eastwood não o é. Nunca é. Sully é um filme sempre ciente da sua estabilidade argumentativa, que entrega ao espectador um Tom Hanks (um herói do dia a dia) em excelente forma. E depois existe ainda o soberbo trabalho de edição e mistura de som...
Foi o tão esperado regresso de Shyamalan à boa forma depois de atrocidades como The Last Airbender. Uma comédia de terror criativa que joga com as regras do género para criar algo que afinal nem é assim tão assustador? Um filme sem uma pinga de pretensiosismo que nunca se leva demasiado a sério, com a realização que sempre foi cunho de Shyamalan. Umas vezes resulta, outras não. Aqui resultou muito bem.
Drama de guerra do veterano realizador chinês, Bale (mais uma grande interpretação) é um padre americano enviado para ser responsável por uma catedral ocidental em plena capital da China, em 1937, que serve de refúgio a várias mulheres perante os horrores da invasão japonesa que tomou de assalto a capital. Zhang não se preocupa,e bem, com a reconstituição histórica do que se passou, mas sim com o drama de personagem, o vulnerável padre, e as mulheres que procura proteger. Pode ser apelidado de melodrama, como é apanágio recente do realizador, mas tomara todos os melodramas serem assim.
Clooney sempre teve jeito para este tipo de filmes de bastidores, clinicamente frios, crus e amorais. Relembremos Michael Clayton. Gosling faz dupla nesta guerra fria política negra e viciante, a lembrar a linguagem dos velhos filmes noir.
Pode ser chocante para alguns que a obra que catapultou Guadagnino esteja tão em baixo na lista. É verdade que Call Me By Your Name é uma belíssima história de um primeiro amor contado através dos olhos do jovem Elio, mas não é por isso que deixa de ser um filme contraditório em algumas das suas filosofias para onde remetemos a leitura da nossa crítica completa. Que é um objecto de extrema beleza onírica, disso não restam dúvidas.
Fantástico drama social da realidade japonesa, Koreeda assina mais um grande filme familiar, liberto de pretensiosismo e auto-comiseração. O realizador não se fica pela observação de Ozu, numa linguagem semi-documental, dedicando o último terço da película à dissecação objectiva daquilo que apresentou, para devastação emocional do espectador.
Outro belíssimo exemplar de entretenimento comercial de Nolan, desta vez aventurando-se no espaço e no tempo. Já foram mais que debatidos os erros científicos que o filme alegadamente apresenta, mas afinal isto é cinema para ver ou para fazer contas à vida? Um McConaughey em pico de forma e um extraordinário visual fazem de Interstellar um dos thrillers mais entusiasmantes da década.
Um filme adorado pela crítica, mas não tanto pelos fãs, Rian Johnson está mais preocupado em realizar um grande thriller de ficção científica do que propriamente fazer fan service. Por vezes esquecemo-nos que estamos a ver um Star Wars para viajar num argumento que parece ter vida própria, transposto para a tela com uma mestria imagética e de suspense de rara eficácia. The Last Jedi é o melhor Star Wars desde a trilogia original.
Com The Conjuring, James Wan é o realizador americano responsável pelos melhores blockbusters americanos de terror da década. Insidious joga com todos os clichés do género, sem quaisquer problemas de auto-estima, para construir uma atmosfera de horror de extrema eficácia. Apesar do seu elevado orçamento, consegue parecer um pequeno filme de terror que se deixa queimar lentamente. Delicioso.
129º "Joker" (2019) - Todd Phillips Não exageremos. Apesar de ser um fantástico crowd pleaser, Joker não é o melhor filme do ano, não é o melhor filme da década, e certamente não é o melhor filme desde 2001: Odisseia no Espaço. Mas é, por mérito próprio, um grande filme. Com mais uma grande interpretação de Joaquin Phoenix, Joker foge da linguagem comum dos filmes de super heróis para se assumir um drama psicológico que poderia estar a falar de outra personagem qualquer. Bebendo de algo tão distinto deste universo de heróis e vilões, Joker aproxima-se mais um Taxi Driver de Scorsese do que de um Dark Knight de Nolan.
Um misterioso thriller policial nas terras do deserto branco do Wyoming, Jeremy Renner e Elizabeth Olsen dão cartas num argumento sólido que poderia ter sido escrito por Fincher. Transportando o espectador para o seu desconfortável manto frio onde parece não haver regras, Wind River é um belíssimo exemplo de construção atmosférica e de personagem.
Filmes de carros, algo tão difícil de passar com qualidade para a tela, mas Rush é o perfeito exemplo de como deve ser feito. Baseando-se na rivalidade de dois grandes pilotos de Fórmula 1 na década de 70, este é um elogio ao movimento, à rivalidade e à emoção. É o melhor filme de desportos motorizados da década, isto escrito por alguém que nem lhes acha grande piada.
Mais um filme de Nolan nesta tranche. Actualmente parece que ficou na moda maldizer Inception, mas lembram-se bem da originalidade da pica que sentiram ao vê-lo? Como é assinatura do realizador, o ritmo é imparável, a construção de tensão irrespirável e o efeito visual de entretenimento não preço. Todos têm o direito de gostar de cinema e Inception foi o filme que misturou suspense e intelecto como poucos fizeram.
Quem diria que era possível fazer um grande filme sobre baseball? Mais do que elogiar o desporto, Miller constrói os bastidores da indústria de forma aparentemente fria mas carregada de emoção. O baseball transforma-se em algo mais do que apenas um bater de bolas com um pau por grunhos americanos, com uma interpretação seguríssima de Brad Pitt e a primeira incursão de Jonah Hill fora da comédia.
Depois de realizar The Witch, Eggers vira-se para a solidão surrealista a preto e branco de Pattinson e Dafoe, sozinhos num calhau perdido no mar com o seu misterioso farol. Lembrando os velhos tempos do cinema mudo alemão e o surrealismo dos anos 70, os planos de rosto de Eggers, os monólogos lancinantes, a atmosfera desconcertante, The Lighthouse é uma belíssima experiência para apreciar no grande écrã. em 4:3.
Mais um grande exemplo da originalidade que o cinema de terror desta década nos proporcionou, Don't Breathe é mais do que apenas a premissa de um grupo de jovens que decide assaltar a casa de um veterano de guerra invisual. O feitiço vira-se contra o feiticeiro neste thriller eficaz que deixará plateias a aplaudir de satisfação, como aconteceu na edição do Motelx por onde passou.
É um dos filmes do mestre James L. Brooks (As Good as it Gets) que pior recepção teve e os motivos são, a nosso ver, misteriosos. Reese Witherspoon, Paul Rudd e Owen Wilson formam o triângulo amoroso desta inteligente comédia romântica que foge de moralismos fáceis e lições de vida, mas nos permite ver, de forma fantasiada, os dramas do amor e da família, para terminar numa fantástica cena aberta, em paragem de autocarro, de destino desconhecido. Nota ainda para aquela que foi, provavelmente, o último papel de Jack Nicholson no grande écrã.
Quando ainda estava a provar ao Mundo o grande actor que é, Fassbender participou neste filme independente de Andrea Arnold sobre uma jovem que começa a questionar a sua identidade quando a sua mãe solteira apresenta um novo namorado. Mais que um filme social realista sobre as classes mais desfavorecidas numa Grã Bretanha desigual, Arnold oferece um olhar voyeurista sobre a intimidade da sua jovem protagonista, com uma realização visceral e desconcertante.
120º "The Old Man and the Gun" (2019) - David Lowery
É o adeus de Robert Redford a uma carreira arrebatadora. Alegadamente o seu último filme, uma reflexão sobre a velhice e a matreirice, sem esquecer o entretenimento que a sua obra sempre soube proporcionar, Redford termina com mais uma deliciosa interpretação ao lado de Sissy Spacek.
119º "The Cabin in the Woods" (2012) - Drew Goddard
Foi apelidado de meta-filme de terror, desmanchando as camadas do género como se fosse uma cebola, brincando consigo próprio e pregando paridas ao espectador. Numa altura em que o horror americano suspirava por novos autores, eis que Goddard, Drew e não Jean Luc, atira as regras do género para uma misturadora e entrega um filme confusamente sólido e eficaz que vai além do mero exercício experimental.
118º "Bad Lieutenant" (2010) - Werner Herzog
Uma espécie de nova aproximação ao clássico com Harvey Keitel, Herzog sai da zona do documentário para pegar num sempre frenético e louco Nic Cage e entregar um filme negro sobre corrupção, com o jeito alucinatório e experimentalista do realizador, que não se coíbe de filmar lagartos em ângulos obtusos enquanto Cage debita os seus monólogos em pano de fundo.
117º "Unstopabble" (2010) - Tony Scott
É um comboio que nunca pára. É esta a proposta de Tony Scott para o super filme pipoca que é protagonizado por Chris Pine e Denzel Washington. E é terrivelmente eficaz. Scott pega no disaster movie e, sem quaisquer pudores, entrega ao espectador um sólido thriller que quase não tem por onde se lhe apontar o dedo. Daria vontade de gozar com esta premissa, mas Tony Scott desarma-nos e prova que não existe lugar para o preconceito de género em cinema.
116º "Maggie" (2015) - Henry Hobson
É Schwarzenegger num raro papel dramático e é fantástico. Uma estranha mistura de horror, drama familiar e thriller, a filha do peso pesado de Hollywood está infectada com uma misteriosa doença e cabe ao pai fazer o melhor para tornar a vida da filha confortável. É precisamente pela originalidade de ver Schwarzenegger num papel tão diferente que o filme resulta. Uma reflexão original que nos dá uma interpretação única do veterano.
115º "Creed" (2015) - Ryan Coogler
Uma espécie de reboot/sequela de Rocky, Creed é um dos melhores filmes de desporto dos últimos anos. A realização au point, um Michael B. Jordan em ascensão e um Stallone que injustamente perdeu o Óscar de melhor Actor Secundário interpretam um argumento orgulhosamente modernaço, com drama social, sem nunca esquecer a emoção e realismo do pugilismo.
114º "10 Cloverfield Lane" (2016) - Dan Trachtenberg
Uma sequela espiritual do emblemático Cloverfield, 10 Cloverfield Lane surgiu nos cinemas de surpresa, efeito do seu brilhante marketing e secretismo de produção. Mary Elizabeth Winstead acorda no bunker do misterioso John Goodman, que lhe diz que lá fora o Mundo acabou devido a uma invasão e um vírus que não sabe caracterizar. Não resta outra escolha à protagonista que não acreditar na palavra do seu captor. Um dos filmes mais tensos e originais da década, não há dúvida que o chamado cinema de género deu cartas para este Top.
113º "Toy Story 4" (2019) - Josh Cooley
Não seria de esperar que Toy Story 4 sequer existisse e muito menos que conseguisse manter o nível em relação aos seus antecessores, mas não é que surpreendentemente consegue? Este 4º capítulo é mais uma emocionante e emocional entrada na história destes brinquedos. É um filme que dividirá os fãs mas é a prova que como não é necessária uma aventura de grandes dimensões para entregar iguais sentimentos ao espectador.
112º "Force Majeure" (2015) - Ruben Ostlund
Criativo drama familiar sobre um pai que decide fugir no momento em que uma avalanche ameaça a sua família, Ruben Ostlund apresenta uma curiosa contemplação do diálogo familiar, em jeito de comédia negra dramática difícil de categorizar. É um filme com uma moral difícil de ignorar e raramente explorada em cinema.
111º "Knock Knock" (2015) - Eli Roth
Filme profundamente divisivo e provocador, Knock Knock questiona a moralidade de um pai de família inesperadamente seduzido até à exaustão por duas belas jovens, acabando por sucumbir à traição. Parte exploitation, parte comédia negra, parte drama erótico, Keanu Reeves é o actor ideal para provocar o sentimento misto que Roth pretende no espectador. E é tão terrivelmente eficaz que provavelmente Knock Knock nunca será visto por ninguém uma segunda vez, nem que seja para evitar discussões de casal.
110º "It Comes At Night" (2017) - Trey Edward Shults
O melhor terror é provavelmente aquele que fica por revelar, uma vez que a atmosfera de mistério e horror esvazia-se ao materializar a confrontação dos seus protagonistas com a fonte do medo. O filme de Shults consegue segurar esta atmosfera até ao último momento num raro exercício minimalista soberbamente realizado. It Comes At Night foi muito elogiado, e não foi sem motivo.
109º "The Hidden Life" (2019) - Terrence Malick
Mais uma incursão de Malick no género visual que caracteriza o seu cinema desde Tree of Life, Hidden Life é um filme naturalista contemplativo e ao mesmo tempo dramaticamente filosófico sobre um objector de consciência austríaco durante a 2º Guerra Mundial. A realização magistral faz relevar a sua temática em cada plano habilmente construído pelo mestre.
108º "The Zero Theorem" (2014) - Terry Gilliam
Mais uma alucinação futurista burocrática de Terry Gilliam na senda de Brazil, Christoph Waltz é um sujeito cuja única tarefa é esperar que um telefone toque para o atender. É, como sempre, uma distopia fascinantemente construída pelo ex Monty Python, e não será o seu minimalismo a menorizar o impacto das sensações que proporciona.
107º "21 Jump Street" (2012) - Christopher Miller, Phil Lord
Uma fantástica comédia buddy cop baseada na famosa série dos anos 80 com Johnny Depp, Channing Tatum e Jonah Hill conseguem construir algo de diferente das regras mainstream das comédias americanas de acção de grande orçamento. A sátira do liceu contemporâneo vs anos 80, as banalidades do dia a dia, o tom provocatório, 21 Jump Street é óptimo!
106º "Foxcatcher" (2015) - Bennett Miller
Mais um drama de desporto, estranhamente realista, com um cast mais habituado à comédia, mas que consegue obter aqui o efeito precisamente contrário. É provavelmente a melhor interpretação da carreira de Channing Tatum e Steve Carell não fica atrás. Um drama humilde, que se revela nas emoções contidas nas suas personagens, é uma lição sobre o que é diametralmente oposto ao melodrama em linguagem cinematográfica.
105º "The Eyes of My Mother" (2016) - Nicolas Pesce
Há algo de horror exploitation neste Eyes of My Mother, alguma influência do infame Martyrs e da sua corrente do "novo extremismo francE^s", enfim, toda uma lógica narrativa e visual brilhantemente cuidada pelas mãos do jovem artista plástico Pesce. É um filme perturbador, original, criativo, com um monstro ambiguamente desenvolvido de forma brilhante por Kika Magalhães ao som de Amália Rodrigues. Seria bom que o nosso país lhe desse o merecido mérito.
104º "Sicario: Day of the Soldado" (2018) - Stefano Sollima
Uma sequela que não fica a dever quase nada ao grande filme de Denis Villeneuve. Del Toro e Josh Brolin estão novamente mergulhados no escuro mundo do narcotráfico, num thriller que oferece realismo e tensão desarmantes e um belo contra-argumento à administração Trump, sem artifícios.
103º "Expendables 2" (2012) - Simon West
Sim, é um dos filmes com os gajos todos do cinema de acção a partir tudo. Introduzindo Van Damme como vilão, Expendables 2 distingue-se dos outros pelo carisma dos seus heróis e particularmente de Van Damme. É uma masterclass sobre como realizar filmes de acção de finais dos anos 80/início dos anos 90 na actualidade cheia de carisma, one liners e músculos.
102º "mother!" (2017) - Darren Aronofsky
É o pesadelo lúcido de Aronofsky, um enorme meta filme metáfora impossível de caracterizar, que polarizou audiências, provocou saídas de sala e ovações de pé. Uma das experiências mais marcantes da década em sala.
101º "Clouds of Sils Maria" (2015) - Olivier Assayas
Curioso ver como Kristen Stewart e Robert Pattinson se tornaram actores de culto. Stewart consegue rivalizar nesta obra de Assayas com a experiência de Binoche neste drama Bergmaniano sobre o envelhecimento, a fama e o mundo do espectáculo.
100º "Vox Lux" (2019) - Brady Corbet
Se a Star is Born fazia um excelente trabalho ao colocar o espectador em cima do palco, Vox Lux faz um trabalho criativamente superior ao colocar o espectador na plateia, detentor do olhar de um observador clínico. E é essa a relação do espectador com Vox Lux: a de espectador que assiste ao espectáculo da plateia, com uma Natalie Portman livre, subversiva, poderosa.
99º "Another Earth" (2011) - Mike Cahill
Um drama de ficção científica independente de rara beleza, o filme protagonizado por Brit Marling é um raro micro-drama humano com pano de fundo de sci-fi épico. Jogando com artifícios metafísicos e interpretações sólidas, Another Earth é surpreendentemente confortável e minimalisticamente original.
98º "A Herdade" (2019) - Tiago Guedes
Há muito tempo que não se via um filme português tão sólido direccionado para o grande público. Um épico histórico familiar acerca de uma herdade no Alentejo e a família que a governa. Albano Jerónimo é brilhante numa não menos brilhante realização de Tiago Guedes que finalmente se afirma como, e é arriscada a afirmação, o primeiro realizador a fazer cinema comercial a sério em Portugal.
97º "Martha Marcy May Marlene" (2012) - Sean Durkin
Desconcertante drama acerca de um culto algures na ruralidade norte-americana, Elizabeth Olsen é a jovem "recruta", repleta de sonhos que irá ouvir as palavras do "mestre" John Hawkes. MMMM é perversamente sombrio e psicologicamente desafiante, realizado de forma sábia e positivamente calculista por Sean Durkin.
96º "Shutter Island" (2010) - Martin Scorsese
O veterano Scorsese realiza um thriller com uma linguagem estranhamente comercial, mostrando que é possível fazer cinema de fácil consumo sem fazer do espectador burro. Um remake espiritual de The Cabinet of Dr. Caligari, este é um thriller psicológico de belo efeito com mais uma grande performance de DiCaprio.
95º "Evil Dead" (2013) - Fede Alvarez
Remake do filme de culto com Bruce Campbell, esta nova versão de Fede Alvarez ganha também estatuto de culto por mérito próprio. Evil Dead é um festival de gore, humor negro satírico e homenagem ao original de Sam Raimi que não está preocupado em copiar, mas sim em criar. É o filme moderno perfeito para uma noite de Halloween.
94º "Carnage" (2011) - Roman Polanski
Deliciosa adaptação de Polanski da original peça de teatro, dois casais discutem uma briga entre os dois filhos na escola numa brilhante comédia negra, sem nunca sair do mesmo espaço. Só seria possível com as 4 brilhantes interpretações dos seus protagonistas.
93º "Suspiria" (2018) - Luca Guadagnino
Uma aproximação arriscada de Guadagnino ao filme de culto de Carpenter, que tem o mérito de se reinventar. Dotado de uma realização fascinante e uma fotografia refinada, Suspiria é um filme inteligente, mas não tão inteligente como julga ser. Ainda assim o seu elogio ao movimento, ao secretismo, ao oculto, são tudo armas deliciosamente ornamentadas que irão satisfazer o espectador que souber libertar-se do original de Carpenter.
92º "The Shallows" (2016) - Jaume Collet-Serra
Viva a Série B! Thrillers com este grau de originalidade são poucos, porque apesar da temática tubarão ser recorrente provavelmente nunca vimos um tão realista, intenso, minimalista e, por isso mesmo, original. Essa originalidade, aliada a uma realização criativa, vistosa e eficaz fazem deste um dos melhores thrillers Série B dos últimos anos.
91º "Inherent Vice" (2015) - Paul Thomas Anderson
Um filme que não obteve a devida atenção na filmografia de Paul Thomas Anderson e Joaquin Phoenix, este é um drama auspicioso, com um humor neon movido a álcool e psicotrópicos. É sem dúvida desequilibrado, mas é esse desequilíbrio que faz com que muitos o apelidem de obra-prima. Estranho e desafiante, Inherent Vice é uma experiência para ter sem expectativas.
Uma pedra preciosa escondida que foi ignorada por muitos, Slow West é um western que desafia convenções de género, com uma realização sensitiva, por vezes mesmo surrealista e alucinogénia, como o absinto que os seus protagonistas bebem numa noite de tempestade. Fassbender junta mais interpretação de grande presença à sua filmografia.
Foi a estreia na realização de Gordon-Levitt. À primeira vista Don Jon pode parecer um filme perfeitamente dispensável, com o seu protagonista rudimentar cujos únicos interesses são ir ao ginásio, engatar miúdas em discotecas e ver pornografia. Surpreendentemente, a ausência de pretensiosismo e a objectividade na análise "expectativas vs realidade" elevam esta aparente comédia romântica num relevante drama interior. Acresce a realização competente com traços de personalidade.
Do realizador de OldBoy, este é mais um belo exercício de cinema de Park. Com uma realização cuidada, com composições cénicas de época pensadas ao detalhe em que cada plano parece tratar-se de uma fotografia, o sul-coreano traz uma narrativa de drama e paixão igualmente forte que apenas peca por por vezes se colar demasiado ao estilo ocidental.
Há quem diga que It Follows é o melhor filme de terror da década. Talvez não o seja, mas é sem dúvida um dos mais originais. Numa moldura estética retro, com banda sonora synthwave, e uma realização que pisca o olho ao melhor de Carpenter, It Follows usa a transmissão de doenças venéreas como metáfora para a transmissão de um terror ou maldição sem forma que persegue o portador até às últimas consequências.
Trata-se de mais um brilhante documentário de Herzog. Esta caverna dos sonhos perdidos descoberta em França em 1994 apresenta a arte rupestre mais antiga por nós conhecida, pintada por humanos do paleolítico superior há 32 mil anos. Herzog conseguiu ganhar acesso à caverna capturando imagens fascinantes que funcionam como uma cápsula do tempo para um passado que o Homem moderno não tem como compreender.
Ti West pertence a uma nova geração de cineastas, e dir-se-ia entusiastas, de filmes de terror que conhece o género de trás para a frente. Aos 29 anos já havia realizado o soberbo The House of the Devil, um dos melhores filmes de terror americanos da era moderna. Innkeepers segue essa linha de horror slow-burn, mais preocupado com a caracterização dos espaços e da atmosfera arrepiante do que propriamente em saciar o espectador mais impaciente. É um low-budget minimalista que dá uma lição sobre como fazer cinema de terror de forma brilhante não se envergonhando de pegar na velha premissa do hotel assombrado, sem truques de montagem ou CGI.
É um conto de fadas onírico passado nas margens do Mississipi, onde duas crianças idolatram um eremita que perdeu o seu amor. Matthew McConaughey tem uma presença fortíssima neste filme de aparência leve mas conteúdo realista e pesado visto do ponto de vista da inocência juvenil.
Uma história tragicamente bela sobre a doença de alzheimer onde Julianne Moore entrega uma interpretação soberba que finalmente valeu o Óscar a esta que é certamente uma das 5 melhores actrizes de Hollywood no activo. Com um argumento cuidadoso, Still Alice consegue construir eficazmente no campo da identidade e mortalidade, além do drama familiar.
Antes de perder o norte a favor do cinema provocatório pífio da sua obra mais recente, Lars Von Trier fazia bom cinema. Melancholia é um dos filmes mais educados do polémico dinamarquês, ainda que se mantenha fiel ao seu estilo. Uma depressão incorporada por Kirsten Dunst é o epicentro deste filme catástrofe nauseante de difícil digestão no qual a Terra se aproxima do seu final. Grandioso dentro do seu minimalismo, Melancholia é um filme poderoso narrativa e esteticamente, além dos sempre presentes símbolos que o realizador gosta de inserir nos seus filmes.
81º "La Piel Que Habito" (2011) - Pedro Almodôvar
Será este o filme mais original do cineasta espanhol? É provável. Carta de amor a Les Yeux Sans Visage (Eyes Without a Face) de Georges Franju, este é um drama de seio familiar com roupagem de terror psicológico e elementos de body horror no qual Banderas entrega a interpretação mais desconcertante da sua carreira.
Pesce pisca o olho a Audition de Takashi Miike neste minimalista e labiríntico filme neo noir que se alimenta da deliciosa química entre o subvalorizado Christopher Abbot e Mia Wasikowska. Uma noite esteticamente delirante e hipnótica sobre uma estranha forma de amor habilmente conduzido pelos seus protagonistas.
Um pequeno filme de animação em dimensão, mas enorme em qualidade e significado, Peanuts Movie é uma chapada de luva branca à deturpação que o cinema de animação tem vindo a sofrer nos últimos anos. A adaptação da clássica banda desenhada é feita com todo o respeito e inocência que merece, capturando a intemporalidade do material original e mostrando que ainda existe lugar para este cinema que parece extinto.
Mais um filme que prima pela originalidade e fluidez de género, a realizadora australiana dá-nos um filme sobre uma designer/costureira que regressa à sua pequena terra natal para dar uma vingança às más línguas locais através do seu sucesso. Carregado de personagens sui generis, The Dressmaker vai do romance à comédia negra num fechar de olhos de forma deliciosa. É um pequeno filme charmoso, cheio de personalidade, que demonstra como uma pequena comunidade onde não se passa nada consegue, por mérito próprio, fazer com que se passe de tudo.
Aos 85 anos Godard continua a fazer experiências. Adieu au Langage é mais uma. Um exercício essencialmente formal sobre a utilização do 3D em cinema para nos contar uma narrativa surrealista fragmentada sob várias perspectivas, jogando com cores, profundidades e até mesmo com as imagens distintas captadas por cada um dos olhos do espectador. Um filme que desafia as convenções do cinema para criar algo impensável: um filme único desde o nascimento da sétima arte.
Tarantino elegeu-o como o melhor filme de 2019, o que parece uma parvoíce, mas será assim tão estapafúrdio? Não. Crawl é um filme série B de entretenimento sobre mãe e pai presos numa casa com crocodilos mortíferos, mas é a execução de um Alexandre Aja em pico de forma que faz com que este seja um dos melhores série B dos últimos anos, repleto com todos os ingredientes, fresquíssimos, e uma magnética Kaya Scodelario.
Confundido por muitos como propaganda pró-guerra, American Sniper é na verdade uma análise Eastwoodiana sobre o trauma da guerra do Iraque e a mentalidade bélica patriótica do seu protagonista: o estereótipo do texano que acredita que através da guerra está a defender o seu país, e nada está acima disso. Eastwood não toma qualquer partido político, limitando-se a mostrar de forma objectiva o outro lado de uma visão raramente mostrada num cinema hollywoodiano tendencialmente democrata.
O prestigiado realizador sul-coreano volta ao tema da família para colocar uma questão moral acerca do significado do amor após dois casais socialmente muito distintos descobrirem que os seus filhos foram trocados após nascença há anos atrás. É com uma realização fria que Koreeda extrai interpretações calorosas de todos os seus protagonistas num dos filmes mais belos da década.
Muitos indicam os filmes Toy Story como o expoente máximo do cinema de animação. É uma visão arrojada, mas é inegável a qualidade que a Pixar continua a entregar nesta metáfora emocional no plástico de brinquedos. O terceiro capítulo consegue explorar os sentimentos das suas personagens e projetá-los no espectador de forma notável, numa montanha russa de emoções inteligente acerca da entrada na vida adulta.
Não há dúvida que Danny Boyle é um realizador e pêras. Se a isso juntarmos a qualidade de Sorkin no argumento (no argumento apenas, na realização Sorkin é um desastre) e a presença de Fassbender e Kate Winslet seria difícil não obter um bom resultado. Mas é melhor que isso. Pouco importa se os factos narrados sobre o seu polémico protagonista são reais, este filme é um portentoso relato do seu tempo e um belo exemplo do que é possível fazer com o talento de Hollywood.
A celebração do silêncio, da imagem e da estrela que é Robert Redford. Redford carrega sozinho um filme sem diálogo sobre um perito em navegação que se vê perdido à deriva algures no meio do Oceano. Em vez de se preocupar com clichés de género, como flashbacks familiares, gritos para o céu ou amigos imaginários, All Is Lost prefere uma abordagem realista, contemplativa e sóbria sobre a impotência.
70º "The Mule" (2019) - Clint Eastwood
Este inesperado regresso de quem supostamente não iria regressar à tela é uma belíssima meditação sobre o fim da vida Eastwoodiana, um rijo, com histórias para contar e erros para apagar. The Mule tem uma viscosidade fora do normal, num mundo sujo minado pelo tráfico de droga onde um nonagenário de voz enrouquecida procura algo de melhor, como que à deriva, até finalmente chegar a bom porto e definir as prioridade que tinha adormecidas há décadas.
A violência, fetiche do realizador, está lá toda neste regresso triunfal de um polémico Mel Gibson à realização que obteve uma ovação de 10 minutos em Veneza, aquando da sua estreia mundial. O role model objector de consciência e bom rapaz (tipo simpático este Andrew Garfield) transporta uma mensagem interessante nos tempos que correm, num hino à não violência e à não morte que ironicamente acaba por ser o prato principal do filme.
Uma experiência técnica e visual ímpar, e talvez o expoente máximo dos 3Ds e IMAXs desta vida. Alfonso Cuarón, mestre confirmado por Roma, criou esta experiência sobretudo sensorial que é inegável marco no cinema comercial de alto orçamento, reflectindo no isolamento do ser humano sempre com a casa, a Terra, como pano de fundo.
Existem algumas camadas por onde pegar este Spotlight, mas é a sua coesão e olhar clínico que constituem as suas maiores forças. Pode dizer-se que Spotlight é uma espécie de Os Homens do Presidente (de 1976 acerca do caso Watergate) moderno. Um filme que traduz as melhores características do jornalismo de investigação e da influência que este pode ter na sociedade. Afinal esse é o grande poder dos media.
O primeiro John Wick foi uma injecção de criatividade conceptual, visual e coreográficas num cinema de acção que está desgastado de ideias, e essa alma mantém-se na sequela. Coreografias extraordinárias, personagens carismáticas e um total despretensiosismo em querer ser mais do que aquilo que é.
Há algo de David Lynch nestes Animais Nocturnos. A sua narrativa e personagens, verdadeiramente nocturnas no sentido figurado, taciturnas, que não mostram alegria, desenvolvem-se nas várias fragmentações do filme, compondo um thriller de rara apreensão e desconforto para o espectador. Nocturnal Animals é como um pássaro mitológico com várias asas que acaba por nunca se desequilibrar.
É a melhor interpretação da carreira de Mads Mikkelsen. Um drama marásmico acerca da presunção de inocência num crime hediondo, The Hunt é uma reflexão sobre o efeito dominó que uma acusação ou mal entendido pode ter numa comunidade, com consequências irreparáveis, onde o moralismo e a lógica se perdem perante a histeria colectiva.
Richard Linklater consegue, neste terceiro capítulo, igualar ou mesmo superar a qualidade dos dois primeiros momentos do delicioso romance protagonizado por Ethan Hawke e Julie Delpy. Diálogos inteligentes filmados em cenas longas onde os actores continuam a brilhar, demonstram realisticamente o evoluir e desgastar de uma relação, os pequenos trejeitos de linguagem e o sentimento de carinho entre duas almas apaixonadas ao longo de 18 anos.
A musa de Ingmar Bergman, que tem agora 82 anos, também tem queda para a realização. Miss Julie é um cinema que se aproxima da linguagem do mestre sueco, uma eficaz lição de mise en scéne, como se de uma peça de teatro se tratasse, onde o movimento e o diálogo protagonizados pelos virtuosos Colin Farrell, Jessica Chastain e Samantha Morton é o saboroso prato principal. Um filme de época invulgar que infelizmente não recebeu a atenção que merecia.
Depois de realizar o grande filme que é The Hurt Locker, Bigelow regressa com um thriller de investigação, policial e política, sempre sóbrio, calculado, com cada cena realizada e escrita de forma essencial, sem espaço para devaneios, tudo "comme il faut". A forma limpa, exacta, como o filme se encaixa não cansa o espectador num filme que passa grande parte do seu tempo em corredores de escritórios. Tudo isto sob o véu obsessivo protagonizado por Jessica Chastain.
Surpreendeu toda a gente quando venceu o Óscar de Melhor Filme. O primeiro filme "estrangeiro" a ser o grande vencedor da noite. O cineasta sul-coreano faz um belíssimo trabalho ao guiar o brilhante elenco numa espécie de gender fluid cinéfilo, entre a comédia negra, o melodrama familiar, o thriller e o filme de terror, abordando temas sociais e familiares de forma sagaz. O mais extraordinário é a forma como o filme nunca se desequilibra, mantendo a coesão do início ao fim.
Há quem o considere o filme definitivo da década, e porventura o derradeiro ilustrador da actualidade. É mais um excelente argumento escrito por Aaron Sorkin, acompanhado por uma realização de Fincher na senda de Zodiac: mais objectiva, mais fria, mais calculista. Calha bem com a personagem central de Mark Zuckerberg. No entanto, que não se julgue que este é apenas um estudo sobre o facebook, nem sobre o impacto das redes sociais no Mundo. É antes uma visão impiedosa sobre ambição, corporativismo e empreendedorismo.
É aquilo que se pode considerar um exorcista dos tempos modernos. O que o superioriza enquanto filme de terror face aos seus pares é a forma como consegue transmitir de forma refrescante a narrativa de casa assombrada na sua primeira metade, para depois analisar esse "terror" perante a visão desconstrutiva do casal expert em demónios interpretado por Patrick Wilson e Vera Farmiga.
Esta escolha divisiva vai para um filme que foi arrasado por muitos que esperavam um thriller com um prometedor elenco que conta com Fassbender, Pitt, Diaz, Bardem, Cruz, entre outros. Nada disso. The Counselor é um filme que vive do diálogo, da "personagem", da visceralidade da interpretação, que tem a sua origem na inspirada escrita de Cormac McCarthy. O lendário Ridley Scott faz o resto, numa fabulosa carta de amor ao cinema noir.
Há duas maneiras de se olhar para o cinema actual de Terrence Malick. A primeira é olhar para ele como a obra de um artesão que pretende transmitir as suas ideias, com actores escolhidos a dedo, os melhores, deixando o espectador envolver-se na sua arte, deliciando-se com as suas imagens e a sua narração. A segunda é olhando para ele de forma fria, ignorando os seus autores e protagonistas, enquanto puro exibicionismo imagético, filosofia pop barata e uma narração fragmentada perdida no seu próprio labirinto. Subjectivamente preferimos a primeira.
Tarantino parte para o faroeste abrindo a porta da ferida da escravatura e do racismo no cinema norte-americano para as grandes massas, lado a lado com 12 Years a Slave. É mais um grande filme do realizador de culto. Começando pelo design de produção e terminando na impressionante interpretação de DiCaprio, a linguagem do cinema mais clássico de Inglorious Basterds mantém-se, mantendo-se também toda a acidez e humor negro com que Tarantino assina a maioria dos seus filmes.
Tendo como ponto de partida o Western, Tommy Lee Jones constrói um drama progressista, com laivos de cinema experimental e de horror, sobre a palavra, o orgulho, o luto e a imutabilidade da essência do indivíduo. Homesman é um filme absorvente como poucos que nos oferece uma experiência visual e sensorial requintada, bem como uma interpretação totalmente livre de Tommy Lee Jones e a melhor Hilary Swank desde Million Dollar Baby.
A história de Neil Armstrong, num underacting espantoso de Ryan Gosling, e da chegada do Homem à Lua é um portento técnico cinematográfico, quer visualmente, quer na sua componente sonora. Um documento biográfico/histórico imersivo de rara frieza e objectividade, uma lição sobre como fazer o biopic sem melodrama de mau gosto ou glorificação. Somado a tudo isto, Chazelle consegue transmitir ao espectador um raro sentimento de aventura face ao desconhecido ao qual é difícil resistir.
Segunda longa metragem de um realizador que promete refrescar o cinema de terror e que já se tornou referência de culto. Midsommar é um dos filmes mais originais dos últimos tempos, recusando os conceitos de género pré concebidos e oferecendo um produto experimental, passando-se totalmente à luz do sol numa comunidade bizarra movida a alucinogéneos, estranhamente realista e sinistro.
Produzido pelos estúdios Ghibli, When Marnie Was There aparenta ser um filme simples, ternurento e algo inconsequente sobre a juventude da primeira vez que se olha para ela. É muito mais complexo do que aparenta. O filme embala-nos com a maior das eficácias no seu imaginário, na sua ruralidade e nos seus temas, familiares em ambos os sentidos da palavra, que conseguem revolver alguns preconceitos e estereótipos sem nunca os chamar pelo nome.
O duo de protagonistas guiam o espectador através de um mundo de desafio, disciplina, comprometimento e obtenção de resultados, com sangue suor e lágrimas, numa hipérbole sobre transcendência e sucesso através do trabalho. A forma como o argumento se interlaça com a formalidade da realização é intensa e visceral, e os seus últimos 12 minutos são do melhor que o cinema ofereceu nos anos recentes.
Bruce Dern é um homem senil e velho que acredita firmemente ter vencido um prémio, que nada mais é que um flyer de marketing. O seu filho eventualmente aceita levá-lo a levantar o falso prémio numa vila longe, perto da sua terra natal, revivendo velhas memórias e confrontando a realidade da sua vida. Nebraska é um comovente olhar sobre o que acontece onde nada acontece.
James Wan já havia entregue um extraordinário filme de terror com o primeiro Conjuring, uma homenagem moderna ao horror clássico. Para este segundo capítulo, Wan retira os adornos e as intenções e limita-se a dar uma lição de género, onde menos é mais, e onde todas as ideias base do terror moderno são aperfeiçoadas. Conjuring 2 é um filme verdadeiramente aterrador, indutor de ansiedade, que joga com a antecipação e o desconhecido com a mestria de um James Wan em pico de forma.
Desde Tree of Life que o cinema de Malick está diferente. Mais existencialista, mais contemplativo, mais simbólico. O grande busílis destas obras mais recentes, e em particular desde Knight of Cups, é tentar discernir se este é ou não, afinal, um filme que vive apenas da forma, trazendo pouco ou nenhum conteúdo e passível de ser acusado de pretensioso e inconsequente. Não somos dessa opinião. Knight of Cups é um filme livre de regras, como já era Badlands em 73. Um filme livre na sua forma, na sua narração e no seu movimento ocular, na sua luz. Um filme humilde que não aspira a nada. É esse o seu grande trunfo.
Ficará para sempre conhecido como o último filme de Heath Ledger, cuja inesperada morte obrigou Gilliam a moldar a narrativa de forma excepcional, trazendo Colin Farrel, Johnny Depp e Jude Law a encarnar Ledger dentro da mente imaginária do Dr. Parnassus que só pode ser descrita como um lugar mágico de deleite visual onde habita o incompreendido génio do ex Monty Python, Terry Gilliam.
É o melhor filme de animação da década. Os estúdios Ghibli excederam-se na criação de uma animação refrescante, de traço tradicional, como se de um livro ilustrado a aguarela se tratasse, para contar uma história tradicional japonesa acerca de uma pequena princesa nascida de uma cana de bambu que irá atingir o mais duro dos espectadores.
É a prova de que Cuarón não é apenas um mestre do cinema comercial e de que está anos luz acima dos seus dois palermas amigos Del Toro e Iñarritu. Roma é uma obra prima estética filmada a preto e branco que ilustra, na ausência de cor, um quente México dos anos 70 em clima revolucionário a partir do olhar de uma criada de uma família de classe média e da relação que se cria entre ambos. A composição do já conhecido plano sequência de Cuarón, todo o design de produção e a objectividade da sua narrativa, sem panos quentes ou pretensiosismos, fazem de Roma um documento cinematográfico essencial.
Dotado de uma estrutura invulgar a duas velocidades: construção de tensão a ritmo lento e descompressão com humor sagaz e provocatório, esta é uma obra política sem o esfregar na cara do espectador, mas antes jogando com os seus conceitos e preconceitos quanto à era "Trumpiana". É isso que o torna refrescante quando comparado com filmes "awareness" recentes como Detroit ou Selma. E o curioso é que, sendo peso pluma na forma descomplexada como apresenta a temática racial, Spike Lee acaba por dar um soco no estômago bem mais forte que a maioria dos seus pares.
O que aconteceu ao velho Oeste de índios e cowboys? Que é feito dele, agora, em 2020? Hell or High Water traz esse retrato, de um Texas deserto, despovoado, desolado e esquecido nos tempos que correm, do fastio daqueles que lá habitam, do seu conformismo perante uma vida de poucas oportunidade, de um estilo de vida que se perdeu mas que erigiu um país e de que os Estados Unidos dos media massificados pelos grandes centros urbanos aparentemente deixaram de se importar.
41º "Boyhood" (2014) - Richard Linklater
A vida de um rapaz de 6 anos até à entrada na universidade. Nesta histórica produção de 12 anos, Linklater reflecte sobre os pequenos aspectos do crescimento. Do quotidiano, das relações familiares, da escola, das paixões. Das memórias, do divórcio, dos amigos. É só isto? Sim, a vida é apenas isto. E é mais que suficiente.
É aqui que encontramos Payne no topo da sua forma, vagabundeando entre a comédia comercial e a melancolia do drama familiar. Clooney é um pai que procura reconectar-se com as suas filhas após a perda da mãe. Um filme simples e contemplativo, esmagadoramente produto do seu tempo, que derruba o espectador com meias palavras e pequenas acções, as do dia a dia, aquelas nas quais quase nunca pensamos.
O filme que deu a conhecer Jennifer Lawrence ao grande público é mais uma brilhante reflexão social sobre a américa rural, um local tão inóspito que obriga todos os indivíduos, particularmente os mais frágeis, a lutar pela sua sobrevivência. Debra Granik é brilhante na forma como equilibra uma linguagem de cinema independente com o thriller de mistério e o drama social, transportando-nos para um Mundo paralelo que afinal faz parte do nosso.
Haywire é aquilo que se obtém quando se despe o thriller de acção de todo o artifício e se o concentra nos seus princípios mais básicos: a perseguição, a emboscada, o movimento. Num elenco cheio de estrelas, Soderbergh faz da protagonista Gina Carano, uma lutadora profissional que viu assim abertas as portas do cinema, num papel de poucas palavras, onde estas não mais que veículos de transporte para aquilo que realmente interessa.
Aquilo que foi acima dito sobre Haywire, tem aplicação no Blackhat de Michael Mann, mas aqui de forma ainda mais arrojada. Mann não se coíbe de pegar em lugares comuns como o interesse amoroso para os cuspir na tela de uma forma tão fria que é impossível sentir qualquer empatia. Esse interesse amoro é um elemento como qualquer outro, como a acção, o suspense, o diálogo ou a imagem. Um thriller de acção desconstruído e despido que nos deixa boquiabertos com a sua crueza e objectividade, mas que nem todos irão apreciar.
Mais uma grande obra do artista plástico Wes Anderson, este é mais um pitoresco filme em linguagem de comédia acerca de um histórico hotel, que é também um desfilar de bom gosto de humor britânico. É exótico, eloquente e charmoso, deliciando o espectador e transportando-o para o seu pequeno Mundo ilusório. O cinema também é isto.
Dois irmãos sem contacto, criados por um pai alcoólico, reencontram-se num ringue de artes marciais mistas. Em papel Warrior é tudo menos interessante, mas é na verdade um amargo drama familiar pontuado por algumas das melhores cenas de combate já filmadas. É como se O'Connor tivesse pegado em todos os clichés do género e os atirasse ao espectador na sua mais excelsa forma. Da realização à interpretação, Warrior é um trabalho visceral notável que prova que também o cinema comercial pode surpreender.
Passado em 1630, em New England, The Witch assume uma personalidade própria. É hermético em espaço e ideias, deixando o espectador numa posição desconfortável perante o modo de vida desta família fanática, mas realisticamente religiosa. Aliando esse desconforto à postura das nossas personagens perante o mistério que aparentemente existirá nos bosques, uma bruxa servente do Diabo, Witch torna-se misteriosamente arrepiante e volta a demonstrar que o horror de sugestão continua a ser o melhor de todos. Vencedor do prémio de melhor realização em Sundance.
Esta é, acima de tudo, uma experiência de exercício formal, uma observação atenta das entrelinhas que pautam o thriller de acção tradicional. O grande ponto de interesse é o experimentalismo de Ramsay que surge na abordagem com que apresenta as tais entrelinhas: a preparação da emboscada, a observação paciente, as pequenas rotinas, o aguardar. A acção proprimenta dita torna-se acessória do acessório, relegando o espectador para a qualidade de mero observador dos estados de alma do protagonista. Uma espécie de Taxi Driver moderno com um empenhadíssimo Joaquin Phoenix que talvez nem precisasse de ser assim tão exigente consigo próprio. Nós agradecemos.
Pode ser polémico, mas não é descabido dizer que Blade Runner 2049 conseque em muitos campos superar o original. Villeneuve assina mais um portento técnico, com um argumento longo e notavelmente coeso que estende o universo criado por Ridley Scott, uma obra de arte visual para admirar, sem medos ou pudores. É igualmente uma masterclass sobre como fazer sequelas.
Talvez já não exista espaço no cinema americano de alto orçamento para a contemplação, e se a temática for religiosa quanto menos a indústria tiver que ver com isto melhor... Talvez isso justifique a ausência de apoio dos grandes estúdios a Scorsese para levar este longo processo que foi Silence a bom porto. Temos aqui um Apocalypse Now religioso, devoto, mas não fanático, contemplativo e inserto. Dois padres, Andrew Garfield e Adam Driver, em busca do seu Marlon Brando, aqui um superlativo Liam Neeson com aquela que é provavelmente a interpretação mais complexa da sua carreira, encarnando uma personagem pesada, carregada de conflitos interiores e apatia.
Um filme com toque independente que confirma Brie Larson como uma das grandes actrizes da sua geração. Um drama social que consegue afastar-se dos estereótipos de pretensiosimo moralista e artística que mina o género. Um filme crú e objectivo sobre o sentimento de altruísmo que é tão raramente bem tratado em cinema.
Os irmãos Coen dispensam grandes apresentações. O estilo de narrativa mordaz, equilibrando a solidez mais tradicionalista com um humor negro raro e uma excelente direcção de actores é aqui aplicado no remake do clássico western com John Wayne. Da aventura ao humor, da acção ao drama, True Grit é surpreendentemente equilibrado, excedendo-se em todas as suas componentes. É o melhor western da década.
É um daqueles raros filmes que conseguem extrair tensão de situações tradicionalmente apresentadas como "normais" para um filme e acção. Aqui o realismo e o respeito pela personagem e o movimento é tanto que quase parece que estamos a ser alvos de uma purificação espiritual perante aquilo que habitualmente nos servem nos thrillers de acção.
Parece que Keanu Reeves nasceu para interpretar John Wick: uma personagem aparentemente sem grandes camadas, estilosa e estilisticamente prazerosa de assistir. John Wick é essencialmente um filme série B sem qualquer vergonha de assumir a sua identidade enquanto filme de acção de entretimento. Há aqui algo que o distingue dos demais: o realismo das coreografias de combate e do movimento num cenário exagerado trágico-cómico onde um ex-assassino invencível declara guerra à máfia russa por ter morto o seu pequeno cachorro. Não cansa de ver e rever...
Um dos principais autores de cinema a nível mundial, Pedro Costa não dá tréguas. Vitalina Varela é mais um poderoso documento que funde ficção e realidade, uma história de fantasmas sociais e políticos na pele de Vitalina, actriz e pessoa real, que chega de Cabo-Verde 3 dias depois da morte do seu marido, estando à espera do bilhete de avião há mais de 25. Um drama de amor unilateral de olhares, rostos e sombras num bairro degradado de Lisboa habitado por aqueles que a sociedade esqueceu.
Esta foi uma belíssima década para os fãs de terror, uma década onde a criatividade e a competência marcaram o género que está em melhor forma que nunca. Hereditary é o expoente máximo disso. A primeira longa-metragem de Ari Aster, que retira de Toni Collete uma interpretação digna de Óscar. Um horror slow-burn, como se quer, sem efeitos a computador e com um desenlace atordoante. Uma história aterradora que nos agarra à cadeira de forma impiedosa, com um desenvolvimento de personagem de uma dimensão rara no género. Não é descabido colocar Hereditary lá em cima, junto de Rosemary's Baby ou Shining, como um dos melhores filmes de terror de sempre.
Killing Them Softly é um filme rígido, sóbrio, limpo, frio e lento, por vezes quase alucinogénico, mas sempre empolgante, lembrando a linguagem de filmes como Haywire de Soderbergh, por um lado, e No Country For Old Men, por outro. É difícil resistir à insistência da metáfora económica sempre presente ao longo do filme. Um filme noir e negro de grande mérito, sem exageros, sem grandiosidades, num equilíbrio quase matemático.
22º "Lucky" (2017) - John Carroll Lynch
Aqui tudo tem a dimensão que deve ter: o bom humor negro característico de Stanton e do seu Lucky, o peso da solidão, a beleza de alguns pequenos e simples discursos, das pequenas relações, dos pequenos gestos, dos pequenos momentos. A determinado ponto do filme, Stanton, numa interpretação brilhante que olha de frente a de Paris, Texas, encarnando ipsis verbis e com uma negríssima ironia o igualmente nonagenário Lucky afirma, em tímido desabafo, que tem medo. Harry Dean Stanton viria a morrer antes de ver o filme estreado em sala.
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri demonstra empiricamente ser possível em cinema que o tratamento de temáticas sociais mais sérias, e consequentemente tabu, numa América mais dividida do que nunca, siga uma outra linguagem fílmica que não apenas a da dramatização da denúncia com vista a um paternalista despertar de mentes. Three Billboards é um brilhante trabalho de desenvolvimento de personagem, onde não existe preto e branco, mas apenas cinzento.
Chad Stahelski, o realizador que assina todos os capítulos de John Wick, e que são os únicos 3 filmes que jamais realizou, teima em fazer-nos acreditar que no género de acção existe cinema grandioso, um cinema cinético capaz de cumprir a cartilha de género e sucessivamente ultrapassá-la. Stahelski insiste em criar e expandir o seu próprio mundo cinematográfico, agarrando e torcendo todos os clichés que isso possa significar. Em John Wick não existe qualquer vergonha na cara, e o realizador já admitiu o admitiu sem rodeios ou falsos preconceitos: "enquanto as pessoas quiserem ver novos capítulos de John Wick, nós vamos continuar a fazê-los". Alguma vez terá existido tamanha humildade na construção de um franchise?
Provavelmente o derradeiro gangster movie, pela lente daquele que ajudou a criar as fundações para o género, juntando o cast mais icónico que se poderia imaginar: De Niro, Al Pacino e Joe Pesci. Ao longo das suas 3 horas e meia, observamos a clássica construção narrativa de Scorsese, com uma educação e solidez que supera as inconsistências de Goodfellas e o cinismo de Casino. No seu final um melancólico exercício sobre a vida, a morte, o orgulho e as suas consequências.
Tarantino continua a dar cartas e a exprimir o seu amor pelo cinema, desta vez em pleno Hollywood no fim da década de 60. Once Upon a Time mistura ficção com realidade, como já havia feito Inglorious Basterds, e apura Tarantino como um artesão de géneros que flui do humor para o thriller sem suor. Interpretações deliciosas de DiCaprio e Brad Pitt num filme que transborda personalidade, jogando com os seus próprios símbolos de forma irresistível.
Este é um filme de acção para adultos, carregado de adrenalina imparável, explosões e tudo aquilo que se quer. É imaginativo em cada detalhe que o compõe e habilmente realizado de uma forma estranha e original, o que inclui a utilização de efeitos especiais gerados a computador. Este é um dos poucos filmes que o sabe fazer. Mad Max não tem vergonha de enviar o espectador directamente para as areias deste deserto de bizarria e fazê-lo perder-se no seu mundo ímpar, onde cada personagem é mais louca que a outra. Destinado a ser um clássico de culto.
Recusamos a ideia de que The Artist se pretende refugir numa falsa saudade do passado que agora está tão na moda ressuscitar Este é um filme puro, na verdadeira acepção da palavra, com todos os ingredientes de época que consegue com toda a genuinidade deixar-nos felizes. Estão inseridas todas as grandes temáticas do Hollywood comercial (que no fundo era o único Hollywood que existia) da época como a ascensão de uma nova estrela no Mundo do Cinema, a depressão do "Artista" que perde o spotlight, o romance, e, acima de tudo, o excelente humor do cinema mudo. The Artist não esconde a utilização destes clichés, mas fá-lo sempre à distância. Fá-lo porque é assim que deve ser feito.
12 Years a Slave, tal como Shame ou Hunger, vai além da magistral estética de imagem e camera para apresentar um drama sóbrio, sólido e honesto sobre um homem livre que é raptado e vendidado à escravatura nos Estados Unidos de há 150 anos atrás. McQueen propõe um filme seguro da sua cadência que escolhe emoção acima de gore, atmosfera acima de choque. Um filme que se desenvolve e se torna melhor com o tempo, e que oferece duas brilhantes interpretações de Chiwetel Ejiofor e Michael Fassbender.
É pena que se confunda este Carol com um manifesto pela liberdade sexual numa década de tabu, quando o filme é muito mais personagem e sentimento do que propriamente mensagem e ideal, e tanto assim é que o filme nunca dá rótulo à relação das suas duas personagens. Temos uma Cate Blanchett madura, predadora, protectora, presa nos tabus e exigências sociais da época, e uma Rooney Mara jovem, realista mas com sonhos, que quer dizer sim ao desconhecido. A química das duas, e são duas enormes interpretações, é algo que nos faz sentir, esbatendo as noções rígidas daquilo que estamos habituados a que seja o romance no grande écrã.
A Assassina, incaracterizavel no que diz respeito a género fílmico, move-se no cinzento campo do cinema enquanto arte contemplativa, qual quadro impressionista que nos deixa maravilhados com cada sublime plano. Aqui as cores fazem o seu trabalho. Os silêncios, a quietude entre as antecipadas cenas de "acção" que abandonam o espectador, indefinidamente em suspenso. A consciência da sua protagonista, observadora e quieta nas sombras, confunde-se com a consciência de quem vê A Assassina, tanto enquanto filme como enquanto personagem.
Há algo de estranhamente realista em The Wailing. O comportamento das suas personagens, a actuação da polícia, as suas famílias, as suas fragilidades e medos, a chuva, os automóveis, as refeições... Parece que Hong-jin Na tem essa preocupação, de trazer o espectador a um filme fantasioso que talvez, quem sabe, até pudesse ser real. The Wailing vai-se renovando, inicialmente comédia leve encaminhando-se pé ante pé para um horror sufocante, com inúmeros elementos de folclore local que dão ainda mais conteúdo e interesse à trama. Tudo isto se alia a uma cinematografia riquíssima, numa boa variedade de cenários, com planos meticulosamente construídos, objecto por objecto, num detalhamento visualmente tão delicioso que quase o conseguimos cheirar.
Muito se tem falado de Manchester by the Sea e da interpretação de Casey Affleck, que seria aqui entendida como magistral ou francamente apática e sobrevalorizada. Este é um filme de pólos, de entendimento dúbio, de propósito vago e anestesiado. Affleck interpreta um homem médio, que perdeu a vontade de viver e se arrasta no dia a dia nas suas pequenas tarefas de porteiro, como quem aceita a sua condição de apatia perante a vida sobre a qual tem dificuldades em reflectir. Tudo é muito bom neste drama que parece nem ter lugar no cinema americano. Há aqui não só algo de cinema cinema europeu e japonês, como também algo de teatral: personagens, diálogos e cenários, tudo com uma acautelada profundidade despretensiosa, tudo na dose adequada, com a sensibilidade da dramaturgia que é profissão do seu realizador.
Focado numa comunidade afro-americana em Miami, onde reinam as drogas, a desigualdade social e a falta de oportunidades, Moonlight acompanha Chiron, um miuúdo que não se insere no seu contexto, ao longo de três fases da sua vida: criança, adolescente e jovem adulto. E é tudo isso que é preciso, uma vez que o contexto e a temática central (que na verdade é apenas a superfície de algo mais profundo) é só quadro para uma reflexão maior, sobre a dificuldade de remar contra a corrente seja em que contexto for, sem facilidades dramáticas, com a frieza e o corte necessários para que tudo tenha o peso e medida adequados.
Não nos vamos esconder-nos atrás de lugares comuns e dizer coisas como Room ser um filme inspirador, tocante e que deixa a nú o instinto de sobrevivência do ser humano ou qualquer coisa assim do género, mas a verdade é que há muito a aprender com ele. Room é sempre sóbrio e incisivo, sem artíficios ou técnicas ilusórias que nos pretendem "tocar no coração" de forma sub-reptícia, o que só enaltece a pureza das imagens de descoberta e autodescoberta das suas personagens. E o que dizer da química existente entre Brie Larson e Jacob Tremblay que transporta todo o filme, e que invoca as características mais básicas, complexas, intensas e naturais que caracterizam, mesmo na mais extrema das situações, a relação entre uma mãe e um filho? De vez em quando aparecem filmes assim, que nos atingem de forma quase fatal.
Paulo Costa é o grande nome do cinema de autor da década. Cavalo Dinheiro é uma obra prima de sombras e imagem acerca do trauma dos emigrantes da ex-colónias que atravessaram do Estado Novo para a democracia. Uma meditação única sobre os fantasmas da desigualdade social e da pobreza, uma experiência sensorial onírica que joga com as entranhas do espectador que tem dinheiro para a ir ver ao cinema, ao contrário das pessoas retratadas por Pedro Costa. Cavalo Dinheiro é poesia trágica que dignifica, sem qualquer pretensão, a figura daqueles que a sociedade escolheu ignorar e esquecer.
É ao cruzar estes Mundos, o da teologia moderna com as problemáticas científicas que raramente chegam à consciência e percepção de determinadas populações, numa tela de remorso e debate interior de personagem, que First Reformed se torna num objecto fílmico de excelência, refrescante na sua apresentação datada, nos seus diálogos ausentes de acção física. O filme não se fica apenas pelo esboço de ideias abstractas e contempaltivas da natureza humana, como fazia Bergman ou Ôzu, deixando o espectador em suspenso nos seus pensamentos durante e após o visionamento dos seus filmes. Aqui, Schrader concretiza essas ideias através das suas personagens, dá-lhes palpabilidade, como faz ao introduzir no seu texto a promiscuidade entre as grandes indústrias, a política, o aquecimento global e a destruição dos ecossistemas.
Um dos filmes mais subvalorizados da década mas que é por alguns apontado como o melhor. Inside Llewin Davis tem tudo aquilo que caracteriza o cinema dos irmãos Coen. O humor negro, os rostos, o drama do subtexto, mas aqui tudo está em perfeito equilibrio num contexto do folk americano onde Bob Dylan os primeiros passos. É aqui que observamos as personagens mais ricas do cinema dos Coen, entre o bizarro e o anti-herói, numa odisseia ambiciosa do seu protagonista em busca do seu sonho de se tornar um compositor e cantor folk.
Não somos particularmente fãs do cinema de Woody Allen, em especial das suas palermas comédias românticas, mas aqui o realizador decide abandonar esse registo para trazer uma história intensa e séria sobre uma mulher rica que perdeu tudo quando o seu marido foi desmascarado enquanto burlão, entrando numa espiral depressiva de autodestruição. Blue Jasmine é um filme objectivo e pragmático sem cenas supérfluas ou diálogos menos conseguidos. Apesar de tudo isso, é graças a Cate Blanchett que Blue Jasmine se eleva enquanto um dos melhores filmes da década. A interpretação de Blanchett é uma das melhores de todos os tempos e provavelmente a melhor da década, que apenas confirmou que esta é a melhor actriz no activo actualmente.
Hunger é esteticamente o filme mais bem conseguido de McQueen, mas é com Shame que o realizador consegue aliar a profundidade narrativa à sua maravilhosa estética. Fassbender é um homem viciado em sexo em fase autodestruição, confrontado pela chegada da sua irmã à sua bolha existencial. Este é um drama poderoso acerca do amor próprio, uma visão contemplativa e onírica sobre o relacionamento do ego com terceiros, sobre a mancha da privacidade, tudo sob a lente educada de McQueen, o mestre do elogio ao momento, aos elementos, aos rostos.
Somos absorvidamente conduzidos para uma catástrofe que se afigura inevitável, na qual a personagem supera o trágico desafio que lhe foi imposto, culminando numa catarse, num único acto, uma purificação da personagem através do terror e da piedade. O trabalho de câmera trémulo, perseguidor e dinâmico faz com que os espectadores se juntem a Nina enquanto esta dança, seguindo os seus maravilhosos movimentos, sentindo a sua leveza. Esta é a masterpiece mais educada de Aronofsky, capaz de fazer despertar noções de belo de uma forma que provavelmente nenhum outro filme moderno conseguiu antes.
Apesar das influências dos seus mestres clássicos, Anderson liberta-se na criação e constrói uma identidade própria para Phantom Thread, uma identidade fantasmática visceral, obscura, exacta, fechada, sempre perfeitamente equilibrada, na qual se acompanha o movimento de câmera ao longo das divisões do seu hermético "castelo", das interações das suas personagens, dos seus ruídos, dos seus objectos. Há em cada plano de Phantom Thread uma delicadeza de composição imagética perfeita, proporcional, como se não pudesse ser de outra forma, como se uma gota a menos arruinasse a perfeição, como se tudo tivesse nascido assim na natureza, com uma lógica que até se poderia apelidar de fibonacciana.
1º The Hateful Eight (2015) - Quentin Tarantino
Em The Hateful Eight Tarantino reduz o cinema à pureza da trama, da interpretação, da personagem, em detrimento de explosões, perseguições e grandes cenários. Aqui existem dois: uma diligência e uma estalagem perdida algures no meio de um inóspito Inverno de meados de 1870 nas montanhas do Wyoming, aqui filmadas em película num glorioso formato 70 mm, coisa que já não se usa há 40 anos. Mais uma vez o realizador envia carta de amor ao lendário compositor Ennio Morricone e recicla a cunho próprio o western spaghetti, actualizando-o e dando-lhe uma rara profundidade que rivaliza sem medos com Sergio Leone, ainda que aqui escolha um minimalismo que irá ser reprovado por muitos, mas que, como se compreenderá, é vital para a sua missão que não é de todo só essa.
Relembremos que a decisão de realizar The Hateful Eight após o seu cancelamento devido à fuga do script é proveniente dele ter sido adaptado peça de teatro/leitura pública escrita pelo próprio Tarantino, e como tal é natural que a maior parte da sua acção se foque em apenas um cenário, não sendo por uma mera questão exibicionista (para isso já houve quem filmasse este ano estas mesmas montanhas) que é filmado em 70mm. Por vezes cria-se a ilusão de palco e The Hateful Eight torna-se teatro filmado, até pelas interpretações que oferece dignas desse registo. Os 70mm constroem esse palco na tela do cinema. O filme vive das suas personagens, do seu simbolismo e do seu diálogo, que exprime todo o ressentimento provocado pela Guerra de Secessão, a Guerra Civil que opôs Norte e Sul durante a presidência de Lincoln entre 1861 e 1865, ano em que foi assassinado. Em causa estava a escravatura de negros levada a cabo pelos Estados do Sul e que foi abolida pelo presidente, criando uma rotura dentro dos Estados Unidos. Está lá tudo em The Hateful Eight que não se inibe de utilizar estes fantasmas para por vezes fazer cinema de terror, particularmente através de uma diabólica, quase que possuída, Jennifer Jason Leigh que parece ter saído d’O Exorcista, mas há também vómitos dignos de zombie e isolamento gelado, com Kurt Russel a piscar o olho a The Thing de Carpenter. E não se confunda referência ou homenagem com cópia e apropriação. Tarantino só sabe fazer a primeira.
Não se pode esperar de The Hateful Eight apenas o espalhafato estiloso e inteligente com que o seu realizador gosta de brindar o público, e é por vezes o próprio público que ironicamente o escraviza quanto a essa insconsciente obrigação de entertainment. Na realidade estes Oito Odiados aproximam-se mais do estereótipo do “cinema minimalista de autor” do que propriamente do show-off (fabuloso) de Pulp Fiction. Isso não o impede de ter também o seu show-off, aqui muito mais simbólico e contido, mas igualmente delicioso.
Há que saber dar valor à genuinidade de The Hateful Eight, ao seu argumento, à sua metáfora, à sua caracterização, às suas interpretações, mas sobretudo ao seu significado quer para o cinema americano e a sua história em geral, quer para a história dos Estados Unidos em si. Este filme é uma das coisas mais necessárias que passaram nas salas de cinema nos últimos anos e, não sendo um produto imediato, só o tempo lhe trará justiça.
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